A Londres, misère humaine massive et révélations communautaires

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Cahier de la critique

"Light of Passage" de Crystal Pite au Royal Ballet aborde de grands sujets : les réfugiés, la vie et la mort. Au Ballet Black, Gregory Maqoma brille.

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Par Roslyn Sulcas

LONDRES — Une vision en clair-obscur des noirs et des gris ; un balayage pictural de l'humanité; un cadrage cinématographique de corps qui surgissent et palpitent. Dans "Flight Pattern" de Crystal Pite, ces corps sont pour la plupart indiscernables, une masse humaine bouillonnante de misère et d'espoir, des réfugiés dont les désirs désespérés, les peurs et les pertes sont subsumés par la tentative de survie.

"Flight Pattern", mis en scène dans la première partie de la triste Symphonie n°3 d'Henryk Gorecki, "Symphony of Sorrowful Songs", était la première commande de la scène principale du Royal Ballet à une chorégraphe féminine en 18 ans lors de sa création en 2017, et il a été accueilli avec une acclamation quasi universelle. Maintenant, il constitue la première section de "Light of Passage" de Pite, un ballet complet qui a eu sa première mardi soir, et utilise les deux sections restantes de la partition de Gorecki pour former un récit tout aussi plaisant et simpliste sur le passage de la vie vers la mort.

Le talent et le talent chorégraphique de Pite sont indéniables. Dans "Flight Pattern", l'ensemble de 36 danseurs se déplace comme une amibe, ondulant et roulant, les lignes s'enchevêtrant et se transformant en vagues de mouvement. La musique est calme au début, et toujours lente, avec un bref solo de soprano (Francesca Chiejina) basé sur une complainte polonaise du XVe siècle, dans laquelle la Vierge Marie parle à son fils mourant.

La musique, que Pite utilise comme un paysage sonore plutôt qu'une impulsion de mouvement, fonctionne parfaitement avec la scénographie picturale (de Jay Gower Taylor), dominée par d'immenses murs sombres qui s'ouvrent et se referment derrière les danseurs, permettant parfois une colonne étroite de lumière à travers, créant parfois une obscurité impénétrable. À travers les interstices se trouve le passage frontalier tant attendu, la prison enclos, la terre imaginaire de l'espoir et des opportunités.

Parfois, Pite permet à des individus de sortir de la foule, notamment Kristen McNally dans un solo suggérant la perte d'un enfant - symbolisé, avec une bonne dose de cliché et de sentiment, par un manteau tendrement bercé. À la fin de "Flight Pattern", elle et Marcellino Sambé offrent un pas de deux magnifiquement dansé et accablé de chagrin - plus ballet que le reste de la pièce - alors que la neige tombe autour d'eux.

Pite est sans aucun doute sincère dans son empathie pour le sort des réfugiés, mais la demande implicite d'une compassion similaire de la part du public et l'esthétisation douce de la souffrance sont parmi les raisons pour lesquelles je me sens résistant à "Flight Pattern", malgré sa chorégraphie et son visuel. réalisations. C'est attirant de se sentir comme une meilleure personne simplement parce que vous l'avez regardé, mais vous ne l'êtes pas vraiment.

Les deux nouvelles sections sont tout aussi habiles mais encore plus sentimentales. "Covenant" s'ouvre sur un petit garçon, vêtu de blanc, courant sur place, une lumière dorée réfractée à travers des nuages ​​​​rouges et noirs brisés derrière lui. (Bravo au concepteur d'éclairage Tom Visser.) Le garçon est le premier de six enfants qui sont soulevés, soutenus et encadrés par une masse d'adultes vêtus de noir alors que Chiejina chante doucement au milieu d'accords qui changent lentement. (Les notes de programme nous disent que cette section a sa source dans la Convention des Nations Unies relative aux droits de l'enfant ; c'est le genre de détail que vous ne voulez pas connaître sur un ballet.)

A la fin, les enfants se tiennent seuls sur le devant de la scène, les adultes s'éloignant en une ligne entrelacée à l'arrière. Représentent-ils l'espoir ou le sacrifice ? L'ambiguïté est peut-être intentionnelle.

La partie 3, "Passage", nous donne, assez schématiquement, l'extrémité opposée du spectre, s'ouvrant sur un couple plus âgé (Isidora Barbara Joseph et Christopher Havell, de la Company of Elders, une troupe non professionnelle basée à Sadler's Wells) qui semble représentent le passage final de la vie vers la mort. Se déplaçant au milieu d'une forêt de colonnes blanches, ils gesticulent et s'enroulent les uns autour des autres, avant de céder la scène aux mouvements massifs et contrepointés que Pite fait si efficacement.

À divers moments, des duos émergent pour exécuter des pas de deux balletiques, pleins de tourbillons de patineurs sur glace et d'ascenseurs aériens arqués, les jambes se cisaillant et s'ouvrant dans les airs. Les danseurs sont beaux mais génériques, peut-être toutes des versions plus jeunes de la paire plus âgée. La plupart du temps, l'ensemble est l'étoile, se balançant, plongeant, montant et descendant dans une cadence parfaitement synchronisée, auréolée par l'éclairage doré de Visser.

À la fin, les danseurs encadrent l'homme plus âgé de chaque côté alors qu'il marche lentement vers le haut de la scène, laissant son partenaire, assis seul et en deuil, à l'avant - une fin prévisible et plutôt sentimentale.

A l'instar de "Song of the Earth" (1965) de Kenneth MacMillan, "Light of Passage" nous offre un portrait du cheminement humain avec la mort comme présence constante qui l'accompagne. Mais c'est beaucoup moins cohérent et poétique que le travail de MacMillan, et moins intéressant comme mouvement. Dans "Flight Pattern" - comme dans de nombreuses œuvres créées par Pite pour de grandes compagnies de ballet - les danseurs sont déployés comme un moyen d'obtenir un effet global, et non comme des représentants de possibilités physiques ou techniques.

Le contraire était vrai dans un programme le lendemain soir au Linbury, le plus petit théâtre de boîte noire du Royal Opera House, où Ballet Black a interprété des œuvres récentes de Cassa Pancho et du chorégraphe sud-africain Gregory Maqoma.

Pancho, qui est métisse, a fondé Ballet Black en 2001, peu après avoir écrit une thèse sur la rareté des femmes noires dans le ballet britannique. Depuis, la compagnie a commandé plus de 50 ballets à 37 chorégraphes et construit un public admiratif.

Mais pas sans obstacles, comme le montre clairement l'œuvre de Pancho, "Say It Loud". Il s'agit d'un récit biographique de l'histoire de la compagnie en sept sections, sur une bande originale qui comprend Steve Reich, le rappeur grime Flowdan, le chanteur de calypso Lord Kitchener et des voix off ("A quoi bon Ballet Black ?" "Pouvons-nous parler à un danseuse qui a connu le racisme?"). La chorégraphie est totalement oubliable mais a agréablement présenté les danseurs comme des personnalités distinctes, alternant entre un classicisme fervent, un shimmy ironique avec des éventails à plumes et une physicalité plus contemporaine et ancrée.

"Black Sun" de Maqoma est beaucoup plus ambitieux, fusionnant classique et contemporain, passé et présent pour suggérer la lutte intense et les récompenses d'être connecté à une mémoire ancestrale corporelle, à la fois personnelle et collective. Sur une partition palpitante et complexe de Michael Asante, connu sous le nom de Mikey J, "Black Sun" commence en mode ballet, avec des femmes ronronnant sur la scène sur pointe et un pas de deux avec une dynamique push-pull à la William Forsythe. Mais c'est la partie la moins intéressante de la pièce, qui cède bientôt la place à un mouvement plus ancré, sans pointes, les danseurs succombant lentement à une danse plus propulsée de l'intérieur, leurs corps tremblant et convulsant, les épaules et le cou s'inclinant, les visages tirés en grimaces.

Vers la fin, l'immense talentueux Mthuthuzeli November, qui est également sud-africain, tambourine et chante avec une grande puissance, sautant et glissant au même endroit, alors que les danseurs répondent, physiquement et vocalement, à son invocation.

C'est un peu "Rite of Spring", mais il n'y a pas de sacrifice, juste un sentiment d'immersion communautaire dans quelque chose de puissant, et un énorme engagement des danseurs qui ont osé se révéler sur scène.

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