Le froid ne les a jamais dérangés de toute façon : comment Frozen a créé la magie musicale

Les concepteurs de décors, de costumes, de vidéos et d'éclairage de la production londonienne de Disney – qui en est maintenant à sa deuxième année dans le West End – brisent la glace à propos de ses robes, de ses cristaux et de ses effets étonnants

Christopher Oram, scénographe et costumier : La joie du film est qu'il se comporte comme un conte de fées classique mais contourne également toutes les règles. Frozen est subversif et c'est pourquoi il a du succès.

Finn Ross, concepteur vidéo : J'ai trouvé le design de la magie d'Elsa dans le film vraiment magnifique. Ce ne sont pas seulement de jolies étincelles dans l'air, mais très émotionnellement liées à son état d'esprit et la magie devient une extension d'elle. Théâtralement, je pensais que cela pourrait être mûr pour le récit.

Samantha Barks se prépare pour son rôle d'Elsa. Photographie : Marc Brenner

Neil Austin, concepteur lumière : Comme sur Harry Potter et l'enfant maudit, c'était une chance d'attraper la prochaine génération de spectateurs. Avec Potter, un énorme pourcentage de l'audience de notre première année étaient des réservations de théâtre pour la première fois. C'était un autre de ces moments – vous voulez qu'une première visite au théâtre soit spéciale, vous ne voulez rebuter personne !

Finn Ross : J'ai travaillé sur Harry Potter, Curious Incident, Retour vers le futur… ils sont tous incroyablement précieux pour les gens. Pour le public, c'est presque le nec plus ultra de leur parcours de fandom Frozen – c'est de voir la chose qui compte énormément pour eux prendre vie. C'est une position privilégiée à occuper ensuite en tant que designer et une responsabilité importante.

Stéphanie McKeon comme Anna; coiffure et maquillage en coulisses. Photographies : Marc Brenner

Christophe Oram : Vous essayez d'y apporter une nouvelle énergie et une nouvelle vie tout en restant fidèle au monde auquel les gens s'attendent. Ainsi les silhouettes restent les mêmes mais les détails sont différents. Vous voulez vous assurer qu'Elsa porte une longue robe bleue magnifique. La robe que porte Samantha Barks ressemble en fait très peu à celle que porte le personnage animé mais elle passe ce que j'appelle le test du strabisme. C'est un vêtement très différent, conçu pour fonctionner de différentes manières. La neige était l'éléphant dans la pièce. Frozen concerne entièrement la neige… et la neige est une chose totalement impraticable sur scène.

Finn Ross : Nous sommes passés par un processus massif de caractérisation de la glace en différentes émotions - glace heureuse, glace triste, glace anxieuse, glace joyeuse. Maintenant, quand je regarde la glace, je ne peux pas m'empêcher de l'anthropomorphiser ! Mais dans le monde d'Elsa, ce n'est pas seulement de l'eau gelée - c'est un produit d'elle et représente ce qu'elle ressent.

Ashley Birchall (Sven) et Obioma Ugoala (Kristoff) sur le pont réalisé pour la production londonienne ; Influences scandinaves dans la literie et les costumes des filles. Photographies : Johan Persson/Disney et Marc Brenner

Neil Austin : Avec l'éclairage, vos influences peuvent être plus émotionnelles que du monde réel. Christopher a pris son influence de la Scandinavie. Il y a une certaine quantité de Hammershøi (design) dans les scènes très froides et très sombres mais c'est tellement plus à voir avec les émotions de la musique et le drame des mots.

Christophe Oram : La charpente autour de la scène s'inspire de l'architecture norvégienne en bois. Il y a des sculptures de scènes de l'histoire de Frozen ainsi que d'autres émissions Disney, notamment Le Roi Lion et Aladdin - cela fait partie d'une tradition Disney consistant à placer des "Mickeys cachés" dans leurs parcs à thème et leurs films.

"Nous sommes passés par un processus massif de caractérisation de la glace en différentes émotions." Photographies : Marc Brenner

Finn Ross : La transformation est un grand thème du spectacle. À son niveau le plus simple, cela pourrait passer de la pierre à la glace. Chris et Richard Nutbourne, l'artiste scénique, ont proposé une méthode pour peindre les "jambes de glace" de sorte que sous des lumières théâtrales normales, elles ressemblent à de la pierre, mais lorsque vous activez les lumières LED à l'intérieur, cela ressemble à de la glace.

Samantha Barks (Elsa) et jetée dans le château. Photographie : Johan Persson/Disney

Christophe Oram : Comme beaucoup de pièces de Shakespeare, l'histoire s'ouvre à un endroit, puis se dirige vers un désert où les personnages se retrouvent - comme la forêt d'Arden dans Comme vous l'aimez ou Illyria dans Twelfth Night. On passe d'un espace qui vous enferme – la lourde architecture en bois d'un château aux chandelles – à celui qui vous libère. Nous ne voulions pas que le château soit trop oppressant – il y a une douceur et beaucoup de couleur dans le rosemaling, qui est un style norvégien de peinture de motifs floraux sur des boiseries. Les fenêtres des chambres des filles vous permettent de voir les montagnes à l'extérieur et les aurores boréales. Cela vous donne une idée de ce qui vous attend. Nous avons trouvé une couleur pour le sol qui signifiait qu'il pourrait s'agir d'un sol en marbre dans le château ainsi que d'une toundra gelée.

Finn Ross : Avec Frozen, il serait très facile de faire une soirée entière juste bleue. Vous ne voulez pas faire ça – c'est ennuyeux pour le public. J'ai donc parcouru chaque scène et proposé un parcours de couleurs pour la glace à traverser, y compris les violets, les cyans, les verts. Le lever du soleil à la fin de Let It Go apporte un ton rose dans la pièce. Vous voulez quelque chose qui semble naturel et fantastique à la fois.

Les aurores boréales figurent dans la conception de la vidéo. Photographie : Johan Persson/Disney

Neil Austin : Le rôle de concepteur d'éclairage est un mélange de rôles - tels que, du monde du cinéma, gaffer, directeur de la photographie, coloriste et monteur. Le public est assis là avec un plan large pour tout le spectacle. C'est à la conception de l'éclairage de tirer votre attention vers l'intérieur, l'extérieur ou à travers la scène. L'impression que le public a de l'éclairage est qu'il s'agit d'une illumination, mais en fait, comme un peintre avec un clair-obscur, ce qui est bien plus important, c'est où les ombres tombent et comment cela peut rendre l'image aussi dynamique que possible. Dans Let It Go, ces ombres nous permettent de nous cacher ou d'aider à obscurcir, détournant l'attention de la façon dont la robe d'Elsa va changer.

Christophe Oram : La séquence Let It Go était une montagne à gravir. Beaucoup de gens très brillants au-dessus, en dessous et sur le côté de la scène font que cela se produise. C'est le plaisir de faire du théâtre. Nous avons la physique et la gravité et les budgets auxquels nous devons penser pour la scène, c'est différent de l'animation. Nous devions être pratiques mais livrer quelque chose d'étonnant visuellement. Tout le monde s'unit pour faire un moment de libération triomphale.

« Une montagne à gravir »… Let It Go atteint son paroxysme. Photographie : Johan Persson/Disney

Finn Ross : Let It Go doit construire, construire et construire et ensuite, quand vous pensez qu'il ne peut pas aller plus loin, trouver un tout nouveau niveau auquel aller. C'est quatre minutes très étourdissantes. Il s'agit d'une comédie musicale de Disney – alors allez-y ou rentrez chez vous. Vous avez tellement de temps et de ressources, c'est une excellente occasion de faire avancer le médium et de prendre quelques risques.

Christophe Oram : Le palais d'Elsa a un rideau de cristal Swarovski complet qui a une capacité fantastique à scintiller et à scintiller. Swarovski l'a construit à partir de notre conception. Il a un motif floral rappelant le romarin du château de l'enfance d'Elsa.

Finn Ross : Au-dessus de la scène, il y a un mur LED géant avec un pas de pixel de 3,9 mm. Le rendu des couleurs est incroyablement riche et vous donne beaucoup de profondeur. Une fois que vous vous engagez à avoir un mur LED géant là-haut pour toute la soirée, cela devient une sorte de bête à nourrir, mais c'est un travail amusant à entreprendre.

Stephanie McKeon (Anna) et Oliver Ormson (Hans). Photographie : Johan Persson/Disney

Neil Austin : Avant le "ouvrez la porte!" moment où j'ai abaissé les niveaux de lumière au préalable pour ajuster les yeux du public à l'obscurité. Ensuite, Finn a une très belle image lumineuse sur cet écran LED. C'est une ouverture métaphorique ainsi que la lumière qui entre - vous voulez que le public ressente cette joie de la lumière du soleil qui passe.

Finn Ross : La conception vidéo est incroyablement intersectionnelle - vous collaborez étroitement avec le scénographe au début du spectacle, puis, lorsque vous êtes au théâtre, vous collaborez également étroitement avec le concepteur d'éclairage. Les concepteurs vidéo prennent du contenu vidéo préenregistré ou en direct et l'intègrent dans la scénographie, la dramaturgie et le flux d'un spectacle, que ce soit via la projection sur des écrans LED, des écrans de télévision ou à l'aide de caméras. Nous intégrons cela dans un design vivant et respirant. Le département vidéo mettra en place une visualisation de la conception et la transmettra à l'équipe élargie pour une conversation plus approfondie. Ensuite, lorsque vous le mettez sur scène, vous pouvez réaliser que tout est faux et qu'il faut le changer parce que vous le ressentez dans l'espace ainsi que dans le temps.

Craig Gallivan (Olaf) joue En été. Photographie : Johan Persson/Disney

Neil Austin :In Summer est un petit moment fou de vaudeville au milieu du récit où l'on entre dans le monde intérieur d'Olaf – c'est un de mes numéros préférés.

Christophe Oram : Il y avait beaucoup de problèmes à résoudre alors vous vous entourez de gens incroyables – comme Finn, Neil et Michael Curry, le créateur de marionnettes. Ils apportent tous leur expertise à la table. Et vous comptez sur l'interprète pour animer la marionnette. Craig Gallivan a une si bonne relation avec la marionnette - c'est à la fois une extension de lui et son propre caractère individuel."

Christophe Oram : Un sentiment d'unité et d'harmonie vient d'une seule personne qui conçoit à la fois les décors et les costumes. Wolf Hall [qu'Oram a conçu pour le RSC] était un énorme spectacle de costumes - nous avions besoin d'un espace scénique neutre pour raconter l'histoire visuellement à travers le costume.

Blanchiment. Photographie : Johan Persson/Disney

Frozen est un endroit où le costume et le décor racontent vraiment l'histoire ensemble. Ce n'est pas sans ironie que Frozen est aussi très chaud pour les acteurs. Dans le voile blanc à la fin, ils portent des costumes qui doivent avoir l'air épais et laineux, mais il y a aussi une énorme séquence de danse physique, nous avons donc dû trouver des tissus qui semblent plus lourds qu'ils ne le sont et découper des morceaux pour qu'ils ne soient pas impossibles à danser. .

Obioma Ugoala (Kristoff) dans les coulisses. Photographie : Marc Brenner

Finn Ross : Certaines des technologies utilisées dans la production britannique sont très différentes de la production de Broadway et il n'y a que quelques années entre elles - cela montre les développements significatifs qui ont été réalisés. Les systèmes et outils que nous utilisons sont conçus pour répéter exactement la même chose sans variation. Les effets vidéo fonctionnent tous sur le code temporel - avec autant de décors en mouvement, d'un point de vue purement sécuritaire pour l'interprète, vous avez besoin de précision. Cela signifie également que chaque public reçoit le même type de qualité de spectacle.

Neil Austin : L'invention des lumières LED bleues et de la technologie de changement de couleur a totalement transformé l'éclairage des théâtres. Il y a moins de consommation d'énergie et aussi, artistiquement, les choix se sont élargis. Toutes ces unités LED changent de couleur et vous pouvez le faire depuis le pont d'éclairage, à distance.

Christophe Oram : La scène à Londres est deux fois plus profonde que notre théâtre à New York, nous avons donc de la place pour ranger le grand pont en haut de la scène. L'escalier du palais était également quelque chose que nous avons construit pour Londres. L'espace supplémentaire dont nous disposons signifie que ce n'est pas si chaotique - tout le village des garde-robes est au fond de la scène, donc personne n'a à monter cinq volées d'escaliers pour se changer.

Dans les coulisses de Drury Lane. Photographies : Marc Brenner

Neil Austin : La rénovation de Drury Lane est incroyable - pas seulement ce que vous voyez en tant que public, mais aussi dans les coulisses. Ils ont dépensé beaucoup d'argent pour un nouveau réseau, de nouveaux gradateurs, une nouvelle infrastructure.

Christophe Oram :Le Theatre Royal Drury Lane a un sens de la grandeur et de la royauté qui se prête à l'histoire, même les couleurs de l'auditorium sont sympathiques à celles de la scène.

Une ovation pour le casting sur scène. Photographie : Marc Brenner

Neil Austin : Vous avez la responsabilité de vous assurer que tout le monde voit un bon spectacle. Dans les aperçus, vous allez regarder depuis les sièges les moins chers et les plus obscurs à l'arrière du balcon pour vérifier que tout va bien à partir de là. Vous vous asseyez et le regardez avec un public et réalisez ce que vous avez manqué. Vous vérifiez si vous racontez des histoires, ce que nous sommes tous – chaque département de design, oui, a une discipline technique et artistique – mais nous sommes tous des conteurs.

Frozen est en réservation au Theatre Royal Drury Lane, Londres, jusqu'en mars 2023.